domingo, 29 de junio de 2014

BYZANTIUM (2012)

Neil Jordan en las décadas de los 80 y de los 90, ya tuvo dos interesantes incursiones en el mundo de lo fantástico. La primera con la sugerente En compañía de lobos (1984), donde supo crear una atmósfera diferenciadora alrededor del mundo de la licantropía, abordándolo desde una perspectiva distinta que la que habitualmente el cine clásico nos había mostrado. Sería 10 años más tarde cuando se encargaría de lleva a la gran pantalla la adaptación del best seller de Anne Rice de temática vampírica, Entrevista con el vampiro (1994), en el que supo captar la esencia de la novela y el drama que puede llegar a suponer la inmortalidad para los vampiros. Casi han pasado 20 años desde entonces y el cine ha cambiado mucho, hemos sufrido y no poco, las siguientes aproximaciones de best sellers del género al cine con la inefable saga de Crepúsculo, donde el tanto el mito del vampiro como el del hombre lobo se llegaron a convertir en un mero desfile de adolescentes posando y soltando frases carentes de cualquier tipo de interés más allá que para los fans convencidos (que los hay, y todo el respeto hacia ellos). Afortunadamente no todo ha sido negativo y tenemos que destacar por ejemplo la magnífica obra sueca Déjame entrar (2008), que lograba reescribir muy acertadamente parte del mito clásico chupasangres, creando así una obra intimista, sensible a la vez que dura. O también la no poco perturbadora surcoreana Thrist (2009), rompiendo también con lo cánones históricos.

Clara cara a cara con el pasado...
Sin llegar a la altura de ambas, podemos decir que Byzantium es una interesante incursión en el género, en el que se puede sentir cierto paralelismo tanto en la ambientación (magnífica fotografía a cargo de Sean Bobbitt con un predominio de tonos apagados), como en el enfoque de sus personajes respecto a Entrevista con el vampiro. Otra vez aparece el vampiro torturado por el pasado, el peso de los años y oscuros secretos que le atosigan. De esta manera, la historia nos presenta a dos mujeres: Clara y Eleanor que esconden un terrible misterio a la vez que parecen huir de un pasado que las persigue allí donde van. Obligadas a dejar la ciudad donde vivían tras cometer el asesinato de uno de sus perseguidores, quedarán expuestas sin recursos en las calles de una pequeña ciudad de la costa inglesa. Será allí donde la sensual y voluptuosa Clara (Gemma Artenton), no tenga ningún escrúpulo en empezar a conseguir dinero con una de las profesiones más antiguas que existen y que ya ha ejercido en multitud de ocasiones a lo largo de sus más de 200 años de vida. Será allí donde conozca a Noel, un triste y solitario hombre que había salido a buscar un poco de "compañía". Propietario del destartalado motel  Byzantium, se convertirá en el perfecto anfitrión para ambas, esperando que su pasado no las alcance de nuevo.

Clara y Eleanor juntas a lo largo de los siglos...
El dilema moral de ser un vampiro corroe a Eleanor desde siempre...
Uno de los puntos interesantes del film, es la búsqueda de su propia identidad, rechazando así por ejemplo algo tan habitual y conocido como los colmillos de los vampiros y las sabidas escenas con mordiscos en la yugular; o la capacidad de moverse a plena luz del día, desconcertante en unos primeros momentos, pero que en nada dañan el contenido general. Para ello, se "huye" de nombrarles como vampiros puramente, sino como unas criaturas similares, dando también una explicación al origen del que podría ser el primero de su especie; así como adentrándonos en algo poco habitual como es la posible organización y objetivos que pueden mover a estos seres.
Ambos personajes principales están correctamente desarrollados, conoceremos algunos de sus secretos mediante la narración en dos lineas temporales distintas, la peculiar relación que guardan (el descubrirla con el paso de los minutos es una de sus gracias), y el mostrarnos su antagonismo en lo que supone para ambas el quitar una vida (recordando inevitablemente a Lestat y Louis), dando un peso específico a esa moralidad a lo largo del film. Buenas interpretaciones tanto en el caso de Artenton como de Saoirse Ronan dando vida a Eleanor.

Vivir o morir...
Se recupera ese tono oscuro, pausado, que ya reflejaron las anteriores películas referenciadas de Jordan, dejando de lado el uso de enormes efectos especiales, jugando con una buena ambientación ciertamente decadente y centrándose en contarnos un sencillo pero a la vez interesante relato en el que las mujeres intentan tomar un protagonismo en un mundo dominado por el hombre, que incluso dentro de la sociedad vampírica les está vetado y se castiga con la muerte.
En su contra juega un ritmo con ciertos altibajos, sobre todo al principio, en los que no queda claro a que jugamos ni hacia donde avanza la película, a pesar de ello resulta un correcto drama con tintes románticos que sabe mantener un tono oscuro y evita la tentación de caer en la ñoñería del moderno mundillo teen vampírico como la inefable saga de Crepúsculo.

martes, 24 de junio de 2014

LOS JUEGOS DEL HAMBRE (2012)

A la hora de hacer la crítica de una película basada en una saga literaria, habrá quien encuentre injusta la valoración y comentarios que uno pueda hacer, aludiendo que si no se han leído las novelas no se puede valorar en su justa medida lo visto en pantalla. Es cierto, no me las he leído, por lo que simplemente entraré a comentar lo que da de sí esta primera entrega cinematográfica de la trilogía de The Hunger Games.
Tengo que decir que las historias situadas en futuros distópicos me pirran y que rara vez dejo escapar alguna a pesar de que en ciertos casos las perspectivas no sean muy buenas. No era este el caso, pues a priori parecía una película solvente y funcional a pesar de aportar pocas novedades y ser una pastiche de muchos "ya visto" anteriormente.
Así, nuestro film arranca con una mala intro para intentar situarnos en ese futuro casi con desgana, como si sobrase, dando escasa y rácana información, que posteriormente tampoco se molestan en desarrollar a lo largo sus 2h30' de metraje abultado. Uno de los puntos más negados en el desarrollo de la película es su incapacidad de contextualizar, dibujar y hacer creíble la nación de Panem. Pues casi nada se nos explica de los 12 distritos (más allá de algunos breves flashbacks mal montados y sin fuerza), ni el funcionamiento de estos, del gobierno y cualquier dato interesante que nos ayudara a meternos en situación.

Un presentador deslenguado que sabe darle a la audiencia lo que quiere...

Como sea, los Estados Unidos ya forman parte del pasado y ahora existe una nación llamada Panem formada por 12 distritos y la central del país, El Capitolio. 100 años atrás hubo una rebelión en uno de estos distritos que ocasionó una gran pérdida de vidas, una vez aplastada por parte del gobierno central y con vistas a evitar futuros levantamientos, organizaron los llamados Los Juegos del Hambre, una competición en la que cada año los doce distritos están obligados a enviar un chico y una chica de entre 12 y 18 años (tributos los llaman) para que luchen a muerte hasta que solo quede uno vivo, siendo retransmitido a toda la nación por televisión. Y poco más que añadir. Bueno sí, los protagonistas, es verdad, el distrito 12 manda a Katniss Everdeen (una Jennifer Lawrence que a nivel actoral es lo único salvable), una joven valiente y muy hábil con el arco, que será el eje central del film.

Siguiendo por televisión la presentación y puntuación de los tributos...

Ah, sí, siempre necesitamos a unos malos, ni que sea para rellenar unos minutos más...
Podríamos dividir la película en dos partes claramente diferenciadas, la primera incluiría lo contado hasta ahora, junto la llegada al Capitolio, formación en armas y técnicas de supervivencia, junto a la presentación en televisión de los tributos de los 12 distritos. Quizás es la más sugerente y en la que la crítica hacia los reality shows y la manipulación de un público adocenado gracias a presentadores charlatanes, sean su mejor baza. El resto de crítica social, la banalidad de la sociedad del bienestar, la insensibilización hacia los necesitados, etc... se me quedó corta, poco o nada profundizada, suavizada en extremo quizás con la clara intención de satisfacer más a los adolecentes amantes de historias de amor teen que a los grandes amantes de la ciencia ficción distópica. Con todo, y a pesar del terrible peluquín que luce Woody Harrelson, da de sí algunos momentos más o menos interesantes en los que los distintos candidatos intentarán llamar la atención para conseguir "patrocinadores" que les ayuden a lo largo de la competición.

¿Muerte por comer bayas tóxicas? ¡¡¡Queremos sangre!!!
La segunda arranca en la competición en sí, situando a los participantes en un bosque que es completamente controlado desde la central de la nación y que a placer cambiará reglas y escenarios sobre la marcha para satisfacer a la audiencia. Tras una primera hora relativamente llevable, es curioso ver como se desaprovecha un escenario que debía dar para mucho más, con una falta total de ritmo, menos tensión que en un anuncio de dentrífico y en lo que se supone que son escenas de acción con una nula capacidad de sorpresa y poca habilidad en su rodaje. Es así, aburridas muertes de personajes que no se han molestado ni en esbozar y que por tanto nos da igual que vivan o mueran, diálogos repetitivos y aburridos y demasiados paseos cursis entre árboles y pajarillos sin que pase nada destacable.
La primera entrega de Los Juegos del Hambre, recuerda demasiado en su planteamiento a Battle Royale (2000) de Takeshi Kitano, pero ni de lejos tiene la mala uva, tensión ni la violencia de ésta. También me ha recordado en parte a Perseguido (1987), más que nada al tratarse de un reality donde se transmitía en directo los enfrentamientos de unos participantes obligados a luchar contra diferentes rivales y sobrevivir para lograr el ansiado premio. Demostrando que su autora no ha inventado nada nuevo ni ofrece suficiente frescura al asunto.

Sí... el amor todo lo puede... gran mensaje, coged las manos de vuestras parejas y mirada de complicidad...
Demasiado políticamente correcta para ganarse a un público adulto mínimamente exigente, que verá con desespero como los rollizos chavales (de unos distritos donde en teoría lo pasan muy mal), participan en una especie de parque temático donde tienen sus más y sus menos, pero en el que prevalece el amor... Resumiendo, la sensación y credibilidad que me deja el futuro distópico de Los Juegos del Hambre es de un aprobadillo justillo, a la espera de que en las siguientes adaptaciones se logre mejorar lo que puede dar de sí la historia.

http://www.filmaffinity.com/es/film520063.html

domingo, 22 de junio de 2014

TOP 10 PELÍCULAS FAVORITAS : MARC

De la misma manera que mis compañeros ya han explicado, me resulta muy complicado seleccionar solo 10 películas como las más representativas de mis gustos o bien porque en algún momento de mi vida hayan marcado mi actual pasión por el cine.
Siempre me voy a dejar fuera muchas que merecerían tanto o más aparecer en esta selección,  y si me preguntarais mañana lo más seguro que mi lista iba a variar, me encanta el cine y afortunadamente una larga lista de películas me han hecho soñar, reír, llorar, viajar en el tiempo, ir al espacio o vibrar con una carrera de cuádrigas. También tener que dejar fuera a directores que atesoran una obra maestra tras otra me duele, pero si solo hay espacio para 10 de ellas, que le vamos a hacer.
Algunas de las seleccionadas por mis compañeros iban a estar en mi selección, pero para tener una mayor variedad he preferido cambiarlas por otras e intentar que las que aparecen representen diferentes géneros y épocas del cine.
La lista no la he ordenado según un criterio de preferencia concreto, me parece complicadísimo y algo trivial hacerlo. Sea como sea, aquí va mi selección, espero que alguna de ellas sean nuevas para vosotros y les deis un voto de confianza:


ÉRASE UNA VEZ EN AMÉRICA (1984)

La obra maestra de Sergio Leone y a la postre su último trabajo. Una historia que abarca toda la vida de un grupo de amigos de los suburbios de Manhattan, desde su infancia trapicheando por sus calles donde forjan su amistad, pasando por los tiempos de la Ley Seca cuando logran convertirse en una importante banda de mafiosos o ya en su vejez.
Con un montaje impresionante que salta en el momento preciso a cada una de las tres lineas temporales, la historia te atrapa desde el inicio y no te suelta a pesar de las cerca de 4h de duración. Todo un ejemplo de como debe realizarse el desarrollo de unos personajes a lo largo de toda una vida, ver forjarse la esencia de la amistad o disfrutar de la evolución de una ciudad cambiante con los años. Una película con muchas capas y que nunca me canso de revisionar, con una música y ambientación perfectas.

La(s) escena(s): El momento en que vemos pasar al grupo de amigos por delante del puente de Manhattan mientras suena la tonadilla, impresionante vista que te traslada por completo a otra época.
La secuencia de la muerte del pequeño Dominic, no importa cuantas veces vea la película, siempre me conmueve ese "Noodles, me resbalé...".
Noodles espiando desde el lavabo a Deborah mientras baila en la trastienda de su padre.
La escena del intercambio de bebés por parte de la banda y la música que la acompaña... y tantas otras.



LA PASIÓN DE JUANA DE ARCO (1928)

En mi repaso, no quería olvidarme de esta obra maestra de Carl Theodor Dreyer, una película que me impactó profundamente y que no podía faltar en mi lista.
Lejos de mostrarnos la Juana de Arco guerrera como hiciera de forma insufrible Luc Besson; Dreyer se inclina por el proceso judicial que tuvo que enfrentar contra la iglesia, acusada de brujería y blasfemia, con el doloroso final que todos sabemos.
La versión restaurada en 1995 incluye una composición musical llamada "Voices of light" creada expresamente para esta película, dotando de un dramatismo aun mayor a unas imágenes que ya de por sí eran magníficas.
Intensa de principio a fin, con unas puntillosas preguntas por parte del jurado eclesiástico y unas no menos sabias respuestas por parte de la joven, repasaremos los últimos momentos de su vida de la mano de una actriz en estado de gracia, Renee Jeanne Falconetti que con su interpretación llega a conmoverte. Parece mentira que no siguiera trabajando en el cine. Con algunas imágenes icónicas del cine universal, es una pieza que todo cinéfilo debería marcar entre sus imprescindibles. Una joya, vamos.

La(s) escena(s): El momento que acompañan a Juana hasta la sala de tortura y le muestran lo que le espera, el montaje de Dreyer junto a la pieza musical que suena, convierten esa escena en uno de los momentos más sobrecogedores del cine.
La interpretación de Falconetti, intensa como pocas he visto, capaz de transmitir el misticismo, miedo, pasión y cierta locura que su personaje requería.
El final, la escena in crescendo de la hoguera...

Crítica completa de la película clicando aquí.



LA EVASIÓN (LE TROU) (1960)

Ni la aclamada y multipremiada Cadena perpetua (1994) u obras tan reconocidas como Fuga de Alcatraz (1979) o La gran evasión (1963), serían para mí la que elegiría como mejor cinta carcelaria que he visto. Por contra, tengo especial predilección por esta cinta francesa de Jaques Becker, que por desgracia, es mucho menos conocida y que aprovecho para reivindicar a la vez que recomendarla tanto a los amantes del género como a los del buen cine (clásico o no).
Con un realismo lejano del típico efectismo de muchos otros films de cárceles, donde abundan las trifulcas entre marrulleros internos, problemas en las duchas o guardias, no malos, sino diabólicos, que hacen la vida imposible a los reclusos y multitud de clichés; aquí el trato de Becker es mucho más intimista, centrándose casi por completo en lo que pasa en una de las muchas celdas de una cárcel donde la llegada de Gaspard Claude, un nuevo recluso, a una celda donde hay un plan de fuga en marcha, crea un mar de dudas a sus antiguos ocupantes, ¿abortar el plan o meter al nuevo en el asunto?
Increíblemente realista, con unos personajes carismáticos y bien trabajados, la intensidad de la película no permite que apartemos los ojos de la pantalla siguiendo los avances del plan.

La(s) escena(s): Cualquiera de los planos secuencia en los que nos permiten ver el desarrollo del plan (reventando el suelo lentamente...) o la construcción de alguno de los utensilios que necesitan para fugarse (un reloj de arena, un espejo para vigilar a los guardias, etc...).
Unos diálogos naturales y creíbles dentro de la celda.
Las intensas escenas en los pisos inferiores de la cárcel, donde todo parece pender de un hilo...

Crítica completa de la película clicando aquí.



EL JOVENCITO FRANKENSTEIN (1974)

Una de las comedias con las que más me he reído nunca, sigo sintiendo esa complicidad aun con el paso del tiempo e  ir revisionándola de vez en cuando, de largo el mejor film de su director, el muy irregular Mel Brooks.
Construida como una parodia de dos de los grandes clásicos del terror de la Universal: El Dr. Frankenstein (1931) y La novia de Frankenstein (1935), el film revela un enorme acierto gracias a un equilibrio nada fácil de conseguir. Ya que su vertiente cómica y gamberra, nunca ensucia una excelente ambientación y respeto hacia los originales. Repleta de gags inolvidables y con un grupo de actores que está en estado de gracia, especialmente Peter Boyle en su papel como Igor y Gene Wilder dando vida al nieto del original Barón Frankenstein.
Además resulta una de las pocas películas que he visto, que doblada tiene más gracia que en su versión original.

La(s) escena(s): Prácticamente cada vez que sale Martin Feldman, es un gag inolvidable.
La escena de "dele un sedante".
La visita del monstruo a casa del ciego, desternillante.
El Doctor y Igor sacando el cadáver del cementerio y disimulando con el policía tras tener un accidente... y podríamos seguir así hasta llenar la página...




EL SALARIO DEL MIEDO (1953)

Otra que me ha apetecido incluir, es la obra maestra de Henri Georges Clouzot junto a Las diabólicas (1955). Narra la historia de un grupo de personajes que ha encontrado refugio en un pequeño pueblo sudamericano. Maleantes de todo tipo a la espera de cualquier trabajo o chanchullo que les permita ir tirando. El incendio de uno de los de pozos petrolíferos que explota una empresa norteamericana en la zona, exige llevar por unas terribles carreteras un cargamento de nitroglicerina para sofocar el incendio. Empezando así un viaje lleno de tensión y nervios por parte de los cuatro voluntarios que deciden arriesgar su vida, aun sabiendo que cualquier pequeño contrapie los hará saltar por los aires. Casi 2h30 de un viaje existencialista lleno de suspense, un alarde de desarrollo de personajes, de sus miedos, heridas pasadas y la desesperación que les ha llevado hasta ese punto. Toda ella rodada con una excelente fotografía y un realismo sin concesiones que te hace cómplice de unos personajes que calan muy hondo.

La(s) escena(s): La escena donde el camión debe atravesar el charco de petróleo trasmite el patetismo al que alguno de los personajes está llegando hacia el final del viaje.
Los momentos tensos en la taberna, especialmente con Luigi entrentándose a un bravucón Jo.
Esos diálogos tan humanos dentro de la cabina.
Cuando el aire se lleva el tabaco del cigarro que estaba liando Jo...



MEMORIES OF MURDER (Crónica de un asesino en serie) (2003)

Mi intención era destacar una película coreana que me marcó y descubrió otro tipo de cine, Oldboy fue todo un descubrimiento hace ya 11 años y me ha llevado a ver mucho cine rodado en Corea del Sur desde entonces, pero como mi compañero Adrián ya ha hablado sobre ella y tampoco iba a aportar muchos datos más, creo que lo mejor es elegir otra enorme película de esa nacionalidad y que también me encanta. Memories of murder es un ejemplar thriller que nos narra al caso verídico del primer asesino en serie del que se tiene constancia en ese país y que puso en jaque en la década de los años 80 a un sistema policial nada preparado para enfrentarse a este tipo de delincuentes. Una serie de violaciones y asesinatos que obligó a crear un equipo especial para dar caza al hombre.
Lejos de que la trama pueda parecernos un "ya visto" en tantas otras ocasiones, la investigación y desarrollo reservan muchas sorpresas que la diferencian y encumbran muy por encima de los típicos productos made in USA. Un querer romper con los moldes y clichés del género con unos policías y un sistema imperfecto que comete errores, que permite abusos policiales que no lleva a la detención del culpable para desesperación de todos los implicados. Desasosegante a lo largo de todo su metraje, gracias en parte a la la presencia continua de la lluvia, es capaz de desconcertanos y hacernos dudar continuamente acerca de la identidad del asesino en cuestión. Llena de matices y unos estupendos actores que lo bordan, muy bien rodada por Bong Joon-ho, responsable también de la excelente Mother (2009), la sorprendente The Host (2006) y la más reciente historia de futuro distópico y también a ratos brillante Snowpiercer (2013), es toda una experiencia que impacta y deja huella bastante después de su visionado.

La(s) escena(s): La aparición de la primera víctima en una escena descarnada que no ahorra detalles escabrosos.
El momento del paseo nocturno de una de las chicas que percibe que algo o alguien puede estar observádola y la tensión que transmite.
La desesperación que trasmiten los actores protagonistas al ver que nada da resultado y están igual de lejos de atrapar al asesino que al principio.
Esa incompetencia de la policía contaminando la escena del crimen nos desespera y a la vez muestra como ha cambiado el estudio forense en poco tiempo.

Crítica completa de la película clicando aquí.



DOS HOMBRES Y UN DESTINO (1969)

Hay películas que marcan a lo largo de nuestras vidas, y puedo decir que esta fue una de ellas. Vista cuando era bastante pequeño gracias a mi abuelo, un cinéfilo que me descubrió el cine clásico con películas como El golpe, La soga y tantísimas otras que a buen seguro me despertaron parte del interés por el cine que tengo hoy en día...
Puro entretenimiento con un ritmo narrativo perfecto para contarnos la vida de dos forajidos de leyenda, Butch Cassidy (Paul Newman) y Sundance Kid (Robert Redford). En su devenir como ladrones de trenes, terminarán huyendo hasta Bolivia donde se convertirán en una pesadilla para las autoridades, robando bancos a placer. Un western de tintes románticos (ya avisan al empezar los créditos que "parte" está basado en hechos reales), que cuenta con un guión sencillo, pero enormemente eficaz. Mención especial para su fotografía y los tonos sepia que utiliza en algunos tramos de la historia. Una gran banda sonora que suena en momentos puntuales con temas como "Raindrops Keep Fallin On My Head" o "South American Getaway", junto a dos actores que repetirían tándem en El golpe (1973) y que aquí bordan sus papeles con una gran química, junto con Katherine Ross. Un clasicazo del cine de aventuras. Como curiosidad comentar que en la versión original al preparar un atraco ya en Bolivia, intentan aprender castellano para disimular su nacionalidad, mientras que en la versión doblada intentan aprender francés para hablar con los del pueblo, un sinsentido total...

La(s) escena(s): El salto al vacío para caer al río, tras una eterna persecución.
El paseo en bici de Butch y Etta (Katherine Ross) mientras suena Raindrops Keep Fallin On My Head.
La ya mítica escena final en el pueblo, inolvidable. Junto a la de Grupo salvaje de Peckinpah, es una de mis preferidas.
Ese diálogo en medio de planes de futuro entre Butch y Sundance: "- ¿A eso le llamas dar cobertura?
                                                                                                     - ¿Y a eso le llamas tú correr?"




EL PADRINO (PARTE II) (1974)

Una de las contadas ocasiones en la historia del cine en que la segunda parte de una película supera incluso a la original, al menos para mí así es. Y de un enorme mérito si además tenemos en cuenta que la de referencia era toda una obra maestra como El Padrino (1971) que contó con un Marlon Brando soberbio dando vida a Vito Corleone. La segunda parte desarrolla la historia en dos lineas temporales, una de ellas nos muestra la llegada a Nueva York del pequeño Vito y como poco a poco va haciéndose con un nombre en las calles de la ciudad, hasta llevar a su familia a ser uno de los clanes mafiosos más poderosos. Enorme papel de Robert De Niro en la piel del joven Vito Corleone. Y una segunda linea temporal que nos sitúa después del final del primer film, cuando Michael (Al Pacino) toma el control de la familia y debe luchar para mantenerla en una posición de dominio.
Redonda de principio a fin, con un montaje excelente obra de uno de los mejores montadores con los que ha podido contar el cine, Walter Murch, responsable también de la primera parte o de Apocalypse Now Redux. Toda ella repleta de escenas antológicas y de unas interpretaciones inolvidables.

La(s) escena(s): La escena del asesinato del mafioso local por parte del joven Vito Corleone tras aflojar la bombilla del rellano.
El abrazo y el beso de Michael a su hermano Fredo tras descubrir su traición, junto a la promesa hecha en respeto a su madre. Momento de la barca para enmarcar...
El retorno a Sicilia de Vito para vengarse de Don Ciccio más de 20 años después de haber tenido que huir a Nueva York.
La primera vez que De Niro espeta una frase que sería la marca del máximo dirigente de los Corleone "Le haré una oferta que no podrá rechazar".



BLADE RUNNER (1982)

Coincidiendo con la época dorada de su director Ridley Scott, tres años después de rodar Alien el octavo pasajero (otra que hubiera metido en la lista si mis compis no se me hubieran avanzado), llegaba al cine esta obra icónica de la ciencia ficción y que más de 30 años después de su estreno sigue deslumbrando. Situada en un futuro cercano en el que la humanidad ha desarrollado a los Replicantes, humanoides artificiales para realizar los trabajos más peligrosos en las lejanas colonias espaciales o como meros objetos de placer. Me encanta el debate de la esencia de lo que nos convierte en humanos (nuestra alma) que sobrevuela el film de principio a fin. Con un cazador de los replicantes fugados, Rick Deckard (Harrison Ford) en uno de sus mejores momentos y un Rutger Hauer excelente. Su look esencialemente ciberbunk ha sido posteriormente mil veces copiado pero sin lograr captar la magia que desprenden las sus imágenes.

La(s) escena(s): Por encima de todo el monólogo final de Roy Batty bajo la lluvia.
Toda la banda sonora de De Vangelis, una de mis preferidas de todos los tiempos.
La escena del apartamento de Sebastian cuando la replicante Pris se esconde entre los juguetes, mientras Deckard la rastrea.
Esa excelente atmósfera decayente de Los Angeles del año 2019, sus calles, los carteles de neón, la siempre presente lluvia, generando un ambiente de puro ciberpunk.



LA CAZA (2012)

Para terminar la lista, he decidido elegir una película actual que realmente me sorprendió muy gratamente, aunque para ello deba dejar fuera de mi lista alguna obra de Charles Chaplin, Akira Kurosawa o Fritz Lang que tenía apuntadas como posibles candidatas, otra vez será. 
La caza es una película danesa que nos explica la historia de Lucas, un hombre de mediana edad y divorciado, que trabaja en una guardería. El poder de una pequeña mentira, se verá magnificado junto a la desconfianza que empieza a generarse a su alrededor, desde conocidos hasta el resto del pequeño pueblo. La vida de Lucas cambia completamente de la noche a la mañana, viendo como debe luchar sin pausa tanto para limpiar su nombre como para sobrevivir. Un tema espinoso y difícil como es el de los abusos a menores, es magníficamente tratado aquí desde una óptica distinta, la víctima es un hombre falsamente acusado y que debe vivir con ese estigma. Tensa, veraz y con un Mads Mikkelsen magnífico, cuyo rostro glacial le permite aun así mostrarse sensible y frágil, demostrando su versatilidad para optar a papeles tan distintos, como su gran trabajo como Hannibal Lecter en la reciente serie de Hannibal y que ha logrado que no echemos de menos a Anthony Hopkins. Una película que da mucho que pensar y que como ya viéramos en La duda (2008), quiere ponerde manifiesto el poder de la mentira y la imposibilidad de dar marcha atrás una vez la rumorología la ha lanzado a los cuatro vientos.

La(s) escena(s): La escena de la iglesia, con todo el pueblo pendiente de la presencia de Lucas.
El maltrato sufrido en el supermercado a manos de sus conciudadanos.
La secuencia de la mayoría de edad de su hijo, tensión entre tradición y la repulsión que despierta en el resto con su presencia.
El momento del perro o el de la caza final.

viernes, 6 de junio de 2014

NOCTURNA 2014 - DOMINGO 1 JUNIO

Nuestro último día de festival se ciñó a una sesión especial de la mano de Phenomena Experience, que tras proyectar Los Goonies a primera hora, nos ofreció una entrañable cinta de los ochenta del homenajeado Tobe Hooper acto seguido.
Si bien el remake del tejano es obviamente inferior al Invasores de Marte original de los años cincuenta, cuenta con esa extraña magia ochentera impregnada en el celuloide y que reconforta a una generación de cinéfilos, con un resultado estimable y sólo lastrado por un último tercio aburrido y en exceso incoherente (el niño dando instrucciones a los altos mandos del ejército o la relación profesora-alumno demasiado floja).
La ansiada segunda visita de Hooper a la proyección de su film finalmente se vio frustrada y los pocos asistentes a la sesión no entendieron que el bueno de Tobe había pasado una "noche agitada" y necesitaba del reposo del guerrero.
En fin, haciendo un balance del festival, podemos decir en su contra que la organización nos ha puesto las cosas más difíciles este año (nos perdimos un par de sesiones), hemos visto el típico recorte en el material suministrado (este año se pagaba y nos dieron la mitad) y las colas han sido, por momentos, insufribles, sin orden ni patrón que nos ayudara.

El material de prensa de este año, más bonito y más escaso.
Por contra, el nivel de películas (salvo un par de excepciones y varios cortos) ha sido mayor este año, la presencia de caras conocidas -Hooper, Martín, Argento, Balagueró, Taylor...- magnífica (el punto fuerte del festival) y la respuesta del público innegablemente positiva, por lo que nos inclinamos a pensar que pese a los problemillas surgidos, este Nocturna 2014 ha sido mejor que el primero. Enhorabuena a todos los responsables y nos vemos en 2015.
Para completar la información, repasamos algunos momentos y premios más importantes de este año :

Los responsables de PinUp Dolls on Ice, la pareja Geoff Klein y Melissa Mira
Lone Fleming y Eugenio Martín, presentando brevemente su "Una Vela para el diablo"

PREMIOS NOCTURNA 2014.

SECCIÓN OFICIAL
Premio NOCTURNA PAUL NASCHY a la Mejor Película: LA CUEVA
Premio NOCTURNA al Mejor Director: GREG MC LEAN .Wolf Creek 2.
Premio NOCTURNA al Mejor Guion: GREG MC LEAN, AARON STERNS. Wolf Creek 2.
Premio NOCTURNA a la Mejor Interpretación: RYAN CORR y JOHN JARRATT. Wolf Creek 2.
Premio NOCTURNA a la Mejores FX: EXTRATERRESTRIAL
Mención Especial Interpretación: EVA GARCÍA VACAS. La Cueva

SECCIÓN DARK VISIONS
Premio NOCTURNA Dark Visions Mejor Película: CRUEL AND UNUSUAL

SECCIÓN MADNESS
Premio NOCTURNA Madness Mejor Película: PINUP DOLLS ON ICE

PREMIOS DEL PÚBLICO

Premio NOCTURNA del Público a la mejor película: SAVAGED

Premio NOCTURNA Shots al mejor cortometraje internacional: LOTHAR

Premio NOCTURNA Shots al mejor cortometraje nacional: 24 HORAS CON LUCÍA

jueves, 5 de junio de 2014

NOCTURNA 2014 - SÁBADO 31 MAYO

A nivel personal, me enorgullecía no haberme salido jamás de una proyección en una sala de cine; de haber conseguido aguantar estoicamente cualquier producto por muy dañino o infecto que fuese y de respetar siempre al autor, sea como sea y viniese de donde viniese.....hasta la tarde del sábado 31 de mayo en el Nocturna madrileño.
El film "La mujer que hablaba con los muertos", del nada prometedor César del Álamo (que incluso pidió disculpas antes de proyectar ¡su propio film!), es la culpable del fin de mi buena racha como aguerrido e imperturbable espectador.
Ni la estimulante presencia en el reparto de Lone Fleming, ni la condición de película crowdfunding, que parece nos debería reblandecer nuestro punto crítico, consiguen elevar en modo alguno esta soporífera historia de fantasmas a la categoría de "film presentable", pues ni está para proyectarla a un público mínimamente exigente, ni mucho menos es carne de un festival que pretende continuar su estela con éxito.
Pésimamente actuada, con un montaje amateur (tiene el peor flash-back que haya visto en mi vida), escenas directamente idiotas y carente de criterio fílmico alguno, La Mujer que hablaba con los muertos es de lejos, el peor film que hayamos ¿padecido? en Nocturna en estas dos ediciones. Simplemente horrible.
Así pues, abandonamos la sala prematuramente para poder disfrutar -y esta vez sí-, de uno de los grandes títulos del giallo de los setenta, Rojo Oscuro, del irregular pero a su manera genial director italiano Dario Argento.

Argento, sonriente con el reconocimiento
Presente en la sala y demostrando mejor cara que en su pasada visita a Sitges (donde al parecer, vino a regañadientes a presentar su horripilante Dracula 3D), Argento saludó a los presentes y recogió su premio con aparente sentido del humor, para además dar pie a uno de sus films más emblemáticos (y que nosotros veíamos por primera vez, todo sea dicho).
El film es un ejemplo perfecto de los últimos coletazos del género "amarillo" en Italia, con una pareja protagonista insuperable (tanto él como ella), una trama entre confusa y fascinante, y una puesta en escena consecuente con el material que maneja. Una notable cinta de intriga, sexo y asesinatos a la italiana que propina al espectador una buena dosis de humor del todo inesperado, una inyección de sensibilidad cómica tan inusual que la convierte en una pieza casi exótica, arrebatadora.

Joe Hursley no se imagina el día que le espera en la excelente Sequence
De nuevo acomodados en las butacas de la sala 2, nos llevamos la mayor sorpresa de lo que llevábamos de festival, el cortometraje de Carles Torrens "Sequence". Una trama increíblemente original (todo el planeta ha soñado lo mismo una noche : el bueno de Billy cometiendo alguna atrocidad impronunciable y ahora todos le repudian, incluido su novia) que roza lo brillante. Narrada con muy buen pulso, excelentemente interpretada, de factura envidiable, gran sentido del humor  y geniales efectos visuales (ese puño de la vecina...) convierten a Sequence en una pequeña joya de muy altos vuelos y que pide a gritos un largometraje. Desde Sospechosos aplaudimos el gran trabajo del catalán Carles Torrens y le seguiremos de cerca sin dudarlo.
Nuestra tercera y última cita del sábado era con la galardonada ópera prima del norteamericano Scott Schirmer, titulada Found. El film narra la historia de Marty, un niño de apenas 10 años que descubre a su hermano mayor como un brutal asesino en serie que guarda las cabezas de sus víctimas en la bolsa de los bolos.

Found, un ejercicio macabro sobre la locura y el amor
La pasión de Marty por las películas de terror (con guiños a Street Trash o Criaturas Asesinas incluidos) se tuerce tras visionar el VHS de "Headless", un film tan macabro y brutal que acabó con la frágil cordura de su hermano de una vez por todas.
Una cinta comprometida y dura, con momentos visualmente impactantes (ese baño de sangre, la grotesca felación con una cabeza decapitada...) acompañada de una trama pretendidamente convencional, pues trata de la típica familia americana media que sufre una tragedia interna.
Un buen film, no apto para todos los paladares, pero que sin duda ofrece una perspectiva novedosa acerca de los serial killers, y encima sin un final a lo "made in Hollywood".

martes, 3 de junio de 2014

NOCTURNA 2014 - VIERNES 30 MAYO

Nuestro segundo día en Madrid comienza con una visita a la tienda más cinéfila de la ciudad, la entrañable y muy necesaria "Casablanca". Mítico punto de encuentro para cineastas, críticos o enamorados del cine en general, que lleva más de 25 años en pie vendiendo toda clase de material especializado (dvds, photocromos, fotos, postales, carteles, libros, revistas, etc..) y en la que, sin  poder remediarlo, nos agenciamos un par de fantásticas estatuillas de marmolina cada uno.
De vuelta al Nocturna, y una vez más sudando para conseguir nuestras entradas, estrenamos la sala 2 con el pase del documental ¡Zarpazos! Un viaje por el Spanish Horror, del agotador Víctor Matellano, responsable también de Wax, que más tarde padeceríamos.
Si bien es un género que nos apasiona y creemos que hay que reivindicar a toda costa, este repaso del terror español que lanza Matellano apenas araña la superficie del asunto, repasando muy por encima los principales autores, montando algunas entrevistas (entre ellas, Jack Taylor, Caroline Munro, Carlos Aguilar, Eugenio Martín...) y repasando, en definitiva, lo de siempre.
Su documental poca cosa aporta al conocedor del spanish horror, aunque nos deje para el recuerdo la que seguramente fue la última entrevista del autor catalán José Ramón Larraz (fallecido en septiembre de 2013), las (por costumbre) lapidarias opiniones de nuestro admiradísimo Carlos Aguilar o algunas anécdotas simpáticas del género. Desafortunadamente, el film se autolimita a ser un mero ejercicio de autocomplaciencia autoral que nos deja a ambos un regusto de indiferencia (estoy seguro que su libro homónimo nos procura más sorpresas).
Sin embargo, el plato fuerte del día era la recuperación en 35mm de uno de los mejores films del gran Eugenio Martín, Una vela para el diablo. El prolífico autor español, allí presente junto a su guapísima esposa Lone Fleming, presentaron su película con clase y brevedad, aclarando que no la veían desde hacía más de 20 años.
La historia de dos hermanas que regentan un hostal en la España profunda, y que se quitan de en medio a las "indecentes" extranjeras descocadas que no respetan los límites de su decencia, es mucho más que un pequeño ejercicio de fantaterror ibérico.

Eugenio Martín, un autor para todos los géneros, como diría Carlos Aguilar
Una deliciosa obra de un maestro ya eterno, un film que provoca, esquiva y encara la censura y los tabús que enfermaban a España con inteligencia, amor por el cine y cautivadora atmósfera opresiva.
Una cinta muy reivindicable que, por supuesto, merece estar en el altar de nuestro cine fantástico-terrorífico, con incluso muestras de cierto sentido del humor (esos pueblerinos que de tontos no tienen un pelo..) y algunas escenas de un simbolismo realmente inusual en nuestro cine (la cama sin hacer, impulsos "voyeurs", ese "placentero" zarzal...).
Orgulloso de haber estrechado la mano del cineasta que filmó la fabulosa Pánico en el Transiberiano, de haber tenido esa breve conversación con él y de que me dedicara su libro. Un momentazo impagable, sin duda.

La excelente respuesta por parte del público augura futuras ediciones del festival
Nuestra siguiente cita (tras saltarnos la sesión con Balagueró que nada nuevo nos aportaba), era el estreno del film Wax, que contaba con el reclamo de veteranos como Jack Taylor o Geraldine Chaplin en el cast, y de nuevo, obra del omnipresente Víctor Matellano.
La historia de un insoportable reportero encerrado en el museo de cera barcelonés en busca de experiencias sobrenaturales, resultó ser un aburrido ejercicio de terror bastante mediocre. Un relato sin fuerza que hace uso de los peores recursos del género (abuso de cámaras de vigilancia, repetitivos planos subjetivos sin gracia o escenas estáticas y sin ritmo), que sólo emerge intermitentemente merced a las escenas de Taylor, que dignifica como puede la cinta de Matellano.
El corto que precedía al visionado de Wax, "la ropavejera", de Nacho Ruipérez y protagonizado por la mítica  Ana Torrent (ambos presentes), se saldó con un resultado más o menos satisfactorio pero poco convincente. Media hora de una historia que se podría contar en 15 minutos, una fotografía en blanco y negro con pretensiones atmosféricas que no enamora y una trama que se debilita a medida que avanza, son síntomas de un producto fallido. Me ha dado la impresión que más que de un cortometraje dilatado, se trataba de un largo comprimido y desdibujado, más un mediometraje sin demasiado alcance que no desagrada del todo pero que crea indiferencia.

Una figura de cera de Jack Taylor presidía el hall de los cines Palafox.
Para redondear la noche, afrontábamos el cuarto film de la jornada, la descarada cinta canadiense "PinUp Dolls on Ice". La promesa de sangre, diversión, tetas y masacre pinup no decepciona, aunque resultó algo más plana de lo esperado (se compone de, en realidad, la misma escena una y otra vez en diferente escenario).
Destacar el nivel de pechuga (que tan bien sienta de madrugada), la presencia de un asesino violentísimo y algo depravado y algún que otro acierto técnico que disfraza un producto de serie B en uno de mayor entidad, conviertiendo a Pinup Dolls on Ice en una divertida atracción cinematográfica con simpático regusto macabro, idóneo para este festival y para esos horarios.
Tuvimos ocasión también de conversar con su encantadora co-directora, Melissa Mira, que figura también como una más entre las hermosas víctimas de su propio film.
Así pues, la noche de nuestro segundo día se cerró aquí, con un balance positivo en líneas generales, y en gran parte gracias al entrañable maestro Eugenio Matrtín. Mañana más.
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